I migliori 20 film del 2020, l'anno delle proiezioni casalinghe

Senza dubbio il 2020 è stato un anno particolarmente forte e sbalorditivo per il cinema, nonostante lo stress e la tensione esercitata dall'industria (e da tutti noi). Con così tante immagini impressionanti che illuminano i nostri salotti e drive-in (speriamo che i cinema e i multiplex tornino sani e salvi da noi una volta che avremo gestito la pandemia), Taste of Cinema continua la nostra ricerca entusiasmante e instancabile dei film più visivamente entusismanti del 2020. Vediamo un po'

Come sempre, un compito del genere non è stato un compito facile, è stato intrapreso alla leggera, anche se diversi film si sono subito distinti - le straordinarie tele visive di Mank di David Fincher, Lovers Rock di Steve McQueen e Nomadland di Chloé Zhao guidano la carica --– l'elenco assemblato qui presentato offre i migliori film di profondità abbagliante, simmetria emozionante, splendide inquadrature, composizioni squisite e grazia assicurata che il 2020 aveva da offrire. Da godere!

20. Into The Storm - Nella tempesta
Splendidamente girato e davvero toccante, questo documentario sul surf peruviano di Adam Brown è stato girato nell'arco di 5 anni e non per coincidenza ha fatto spesso commuovere fino al pianto.

Apparentemente la storia di Jhonny Guerrero, che ha 14 anni quando lo incontriamo per la prima volta, un surfista indigeno delle strade di Chorrillos, Lima, assalite dalla droga e dalle gang infestate. Into the Storm e i soggetti che sono in primo piano e al centro non sono mai meno che avvincenti, è in gran parte una storia di lotta di classe, ma c'è molto di più, e le loro prove sono emotivamente ricche, combinate con i panorami mozzafiato e l'umanità dal cuore grande in grassetto display, è uno dei documentari più affascinanti, raffinati e aggraziati da un po' di tempo a questa parte.

19. Siberia
Il prolifico e provocatorio regista Abel Ferrara (Il cattivo tenente) si ritrova ancora una volta con il suo attuale pilastro e musa pronto, Willem Dafoe, in Siberia, una digressione surreale che sembra una delineazione subartica di “Finnegans Wake” di James Joyce ed è forse altrettanto polarizzante.

Mentre il film allegorico e bizantino di Ferrara si sviluppa, diventa il tipo di immersione profonda in cui è molto facile perdere di vista tutti i fili narrativi e questo potrebbe benissimo essere parte della sua elaborata duplicità. I molti doppelgänger di Dafoe, i pettegolezzi con gli stregoni, le donne che allattano e i nani nudi depongono tutti questo fascino.

È pretenzioso? Assolutamente sì, ma non lasciare che questo smorzi il piacere di sguazzare in queste acque stranamente surreali con il Dafoe sempre meraviglioso e lo strano assortimento di onirismi, allettanti sirene e pericolose visioni che risucchiano lui e noi nell'abisso astuto. È un viaggio mortale oscuro e una sorta di colpo di stato cinematografico vivido e sequenziale.

18. Gretel e Hansel
Attraverso due film horror molto sorprendenti, profondamente atmosferici e lirici, il regista Oz Perkins (La figlia di Blackcoat, I Am the Pretty Thing That Lives in the House) ha esplorato aspetti dinamici e inquietanti del dolore e dell'agire femminile, e ora con quello che potrebbe essere il suo migliore ancora, rivede astutamente una fiaba classica.

Gretel e Hansel si apre in una campagna arcadica assediata dalla peste e dalla rovinosa superstizione; Sophia Lillis (It, I Am Not Okay With This) è Gretel, che insieme al suo giovane fratello Hansel (Sam Leakey) viene abbandonata dalla madre (Fiona O'Shaughnessy) dopo essersi rifiutata di unirsi a un convento, e ha deciso di domare il deserto oscuro. Affrontando la fame, la coppia si imbatte nella casa profumata di una strega (Alice Krige) e qui iniziano tanti altri guai.

Nelle abili mani di Perkins le ombre familiari di Gretel e Hansel si trasmutano in una storia contorta e spinosa della forza e della libertà femminili e del terribile prezzo di entrambi questi tesori. Aiutato dal direttore della fotografia Galo Olivares e dallo scenografo Jeremy Reed, Perkins inonda lo spettatore con immagini e simboli malvagi, creando un clima inquietante sia strano che chimerico, evocando un potente incantesimo magico impossibile da spezzare e una festa visiva che ti riempirà di più.

17. Sto pensando di finirla qui (I'm Thinking of Ending Things)
Potrebbe non essere così prolifico come vorrebbero i suoi fan, ma lo scrittore-regista Charlie Kaufman è tornato nel 2020 in grande stile, offrendoci un altro film intensamente surreale e densamente stratificato che promette, almeno inizialmente, di sondare le profondità del subconscio. à la vintage David Lynch e poi alcuni. E nonostante alcune manovre molto lynchiane, una singola visione non si fonde del tutto (I'm Thinking of Ending Things può essere qualcosa di difficile da vendere poiché più visualizzazioni sembrano essere obbligatorie, se vuoi dare un senso a tutto).

Certo, non mi sono connesso emotivamente nel modo in cui speravo con questo film alternativamente abbagliante e confuso, ma mi ha comunque tenuto rapito per tutto il tempo. Tuttavia, anche se questo film manca della maestria di Synecdoche, New York, è comunque un film memorabile, commovente e degno di nota con molto da ammirare e meravigliarsi (Jessie Buckley, Toni Colette, Jesse Plemons e David Thewlis sono fantastici).

A parte qualche offuscamento apparentemente deliberato, questo film è ancora altamente raccomandato e, per quanto offensivo com'è, è spesso una bellezza da vedere.

16. Last and First Men
Forse meglio conosciuto per la sua colonna sonora minimalista incredibilmente commovente per Arrival (2016) di Denis Villeneuve, tra gli altri, Last and First Men del compositore e regista islandese Jóhan Jóhannsson, pubblicato postumo, è un regalo di addio post-apocalittico.

Le bellissime immagini in bianco e nero, girate in uno straordinario 16mm dal direttore della fotografia Sturla Brandth Grøvlen (Victoria), combinate con la narrazione opportunamente fredda di Tilda Swinton, evocano gli ultimi sussulti di un'utopia perduta in un saggio completamente coinvolgente e cerebrale. È uno spettacolo fantascientifico cupo ma intricato che atterra da qualche parte tra La Jetée (1962) di Chris Marker e 2001: Odissea nello spazio (1968) di Stanley Kubrick - infatti, Arthur C. Clarke ha letto il romanzo di Stapleton in un'età molto impressionabile, ispirando non solo il suo racconto "The Sentinel", ma i monoliti in esso contenuti che sarebbero diventati le immagini più iconiche nell'adattamento di Kubrick e nell'opera complessiva.

Questa è una dichiarazione finale sognante e abbagliante sull'effimero e l'estinzione di un artista poliedrico straordinario che stavamo solo imparando a conoscere.

15. Undine: un amore per sempre
Un nuovo film dell'autore tedesco Christian Petzold (Phoenix, Transit) è sempre motivo di celebrazione, che è una fiaba moderna infusa di realtà magica che alza la posta ancora di più, e per vincere l'intero gattino succede che il più recente di Petzold musa, l'attrazione principale di Undine, Paula Beer, sta già vincendo dei rave (tra cui la migliore attrice alla Berlinale 2020). Per non essere da meno, l'altro sollevatore davvero pesante nel dipartimento di recitazione in questo è la risposta della Germania allo stesso Joaquin Phoenix, Franz Rogowski.

Undine (Beer) è una storica che vive a Berlino, dove tiene conferenze sullo sviluppo urbano in corso lì, ed è nell'aula scolastica dove i suoi fallimenti romantici in via di recupero potrebbero essere in ripresa dopo aver incontrato Christoph (Rogowski). Un antico mito avvolge Undine e il suo ultimo amante, e mentre le ambiguità si rivelano, così fanno anche storie d'amore vertiginose, baldoria sott'acqua e molto altro in questo fantastico diversivo da un grande regista.

14. She Dies Tomorrow
Alternativamente sconvolgente e sommessa, la sceneggiatrice-regista Amy Seimetz (Sun Don't Shine) intreccia una storia sfumata di angoscia inquietante ed emotiva nel suo ultimo film, She Dies Tomorrow. Guardare questo film oggi, nel mezzo della pandemia - e in particolare se hai mai letto il racconto breve di Ray Bradbury del 1951 "L'ultima notte del mondo", che deve aver avuto almeno un'influenza tematica - rende il terribile e fatalista la certezza di Amy (Kate Lyn Sheil) ancora più palpabile e angosciante.

Il film di Seimetz è immediatamente identificabile come parte dell'attuale atmosfera di incertezza, follia e panico esistenziale della società a causa di disordini civili e mentali. Ma questa inquietante agitazione è mostrata in colori e scenografie sbalorditive, non commettere errori, questa è un'immagine d'essai con una presentazione poetica della malattia mentale che spesso sembra sperimentale e più che un po 'precaria (pazzi oggetti di scena per DP Jay Keitel, scenografo Ariel Vida, l'editore Kate Brokaw e la colonna sonora dei Mondo Boys).

Nello psicodramma di Seimetz una cerchia di amici arriva rapidamente a riconoscere che la strana certezza di Amy che la morte si avvicina rapidamente diventa qualcosa di altrettanto contagioso come il nuovo coronavirus. L'apprensione, l'ansia e la paranoia che questi personaggi fissano verso il basso diventano un contagio spaventosamente credibile, eppure l'umorismo nero impedisce a questo viaggio vivido di essere qualcosa di simile a un'elegia cupa.

13. My Octopus Teacher - Il mio amico in fondo al mare
Splendidamente fotografato e inaspettatamente commovente, questo straordinario e aggraziato racconto di amicizia tra uomo e polpo in mezzo a una foresta di alghe vertiginosa e da sogno in Sud Africa non è solo uno dei migliori e più belli documentari del 2020, è anche il più strabiliante strappalacrime dell'anno.

I registi Philippa Ehrlich e James Reed, insieme al bonario soggetto subacqueo / regista Craig Foster, portano lo spettatore in un mondo sottomarino un po 'visto e ancora meno compreso, occupato da un giovane polpo, che, come suggerisce il titolo, ha molto da insegnare per i curiosi e compassionevoli. Man mano che Reed e il polpo sviluppano un legame incredibilmente stretto, anche le percezioni del pubblico cambieranno e saranno arricchite da questo racconto affascinante, aggraziato e avvincente che è allo stesso tempo straziante, curativo e alla fine vivificante. Non hai visto niente del genere. Da non perdere.

12. Shirley
I biopic tradizionali sono spesso invasi da noiosi tropi e trame prevedibili, e molto a merito della regista Josephine Decker (Madeline di Madeline), non c'è nulla di tradizionale nella Shirley interamente immaginaria. Evitando gli orpelli noiosi del genere in quasi ogni svolta, Decker offre un flusso costante di incidenti onirici e immagini familiari all'ambiente di Shirley Jackson, che lo rende un'impresa visivamente densa e piuttosto muscolare di forza narrativa e stranezza epicurea.

Elizabeth Moss, che è in imminente pericolo di sovraesposizione, è fantastica nel ruolo omonimo della famosa scrittrice horror, e Michael Stuhlbarg brilla come suo marito abbandonato, e mentre la loro felicità coniugale si dipana, il loro viaggio diventa tanto più surreale quanto la certezza di tutto diventa molto meno tangibile. Mentre le tensioni aumentano, una prospettiva delirante ha il sopravvento, e mentre l'altro grande film di genere di Moss del 2020, The Invisible Man, potrebbe ricevere la maggior parte degli applausi, Shirley è il pezzo da camera serenamente sinistro che offre stimoli intellettuali e opulenti piacere per gli occhi che persisteranno davvero e affliggere lo spettatore per giorni dopo.

11. Possessor
Il thriller di genere estremo di Brandon Cronenberg Possessor si scatena con tecnologie futuristiche che si fondono con un'estetica vintage e consumata che lo rendono un viaggio fantascientifico meravigliosamente brutale. L'assassino a contratto Tasya Vos (Andrea Riseborough), un agente aziendale che lavora sotto Girder (Jennifer Jason Leigh), utilizza la tecnologia di impianto cerebrale all'avanguardia per assassinare i suoi obiettivi. Un assassino su commissione, Vos abita i corpi dei suoi sudditi, contro la loro volontà, commettendo gli omicidi attraverso di loro, prima di costringere detti soggetti a porre fine alla propria vita in uno scenario criminale perfetto.

Un film incredibilmente sicuro e completamente realizzato, Possessor trova Cronenberg completamente sotto controllo e senza paura di scioccare il suo pubblico mentre la sua storia oscura e mortale si sviluppa con lo slancio di un treno merci che urla attraverso un cantiere ferroviario a tarda notte. Anche i suoi ruoli non sono mai stati migliori, a partire da Riseborough, che era così vulnerabile ed eterea in Mandy di Panos Cosmatos, qui è una terrificante psicopatica persona non grata che viene risucchiata nell'abisso. E come sua preda, Chrisopher Abbott è alternativamente del tutto comprensivo e del tutto sinistro quando le sue azioni sono manipolate da Vos per il più malvagio e omicida degli scopi.

Utilizzando la cinematografia elegante ma spesso austera di Karim Hussain, così come il design di produzione dotato di Rupert Lazarus, insieme a una serie di effetti pratici opportunamente brutali e sanguinosi, Possessor è un'esperienza inquietante ma comunque fantastica.

Uno dei film più attesi del 2020 di Christopher Nolan dei pesi massimi hit-or-miss è stato un altro affare di fantascienza ingannevole, questa volta un contorto thriller di "inversione temporale" che, pur mancando dei brividi cerebrali della sua opera migliore (The Prestige), ha presentato una vasta gamma di splendide fotografie di location e una serie di scene d'azione emozionanti che hanno giocato ai punti di forza del regista come narratore visivo, comandando un grande budget e mettendo tutta quell'eccitazione fuori misura davanti e al centro, perché tutti la vedessero.

È un peccato che i dialoghi disinvolti ei personaggi segnaposto di Nolan sovrappopolino questa storia (Clémence Poésy esiste interamente per fornire un'esposizione, il cattivo russo che vomita cliché di Kenneth Branagh è uno scherzo di una sola nota, ecc.), Ma tutti sfoggiano un aspetto così favolosamente su misura e molto costoso abiti, che Nolan in gran parte riesce a farla franca con il suo filato di spionaggio fumo e specchi.

Lo spettacolo visivo è encomiabile, questa è la terza collaborazione di Nolan con il direttore della fotografia Hoyte van Hoytema (dopo Dunkerque e Interstellar), e sembrano gelificare piuttosto bene. Ciò che manca al film in termini di profondità emotiva è compensato da design lussureggianti e panorami impressionanti, e per ora è sufficiente.

10. Tenet
Uno dei film più attesi del 2020 di Christopher Nolan dei pesi massimi hit-or-miss è stato un altro affare di fantascienza ingannevole, questa volta un contorto thriller di "inversione temporale" che, pur mancando dei brividi cerebrali della sua opera migliore (The Prestige), ha presentato una vasta gamma di splendide fotografie di location e una serie di scene d'azione emozionanti che hanno giocato ai punti di forza del regista come narratore visivo, comandando un grande budget e mettendo tutta quell'eccitazione fuori misura davanti e al centro, perché tutti la vedessero.

È un peccato che i dialoghi disinvolti ei personaggi segnaposto di Nolan sovrappopolino questa storia (Clémence Poésy esiste interamente per fornire un'esposizione, il cattivo russo che vomita cliché di Kenneth Branagh è uno scherzo di una sola nota, ecc.), Ma tutti sfoggiano un aspetto così favolosamente su misura e molto costoso abiti, che Nolan in gran parte riesce a farla franca con il suo filato di spionaggio fumo e specchi.

Lo spettacolo visivo è encomiabile, questa è la terza collaborazione di Nolan con il direttore della fotografia Hoyte van Hoytema (dopo Dunkerque e Interstellar), e sembrano gelificare piuttosto bene. Ciò che manca al film in termini di profondità emotiva è compensato da design lussureggianti e panorami impressionanti, e per ora è sufficiente.

9. Da 5 Bloods - Come fratelli
Così tanti registi americani hanno preso il sopravvento sulla guerra del Vietnam che si può facilmente perdonare all'inizio quello che potrebbe sembrare un esercizio stanco da parte di Spike Lee, ma quello che si ottiene con Da 5 Bloods è puro Lee; l'esperienza dei neri americani nella merda con un revisionismo spietato nel suo tipico stile brechtiano (filmati d'archivio mescolati con ricreazioni; cinegiornali scioccanti e filmati documentari di atrocità e immagini iconiche; monologhi sconvolgenti della quarta parete diretti alla telecamera, ecc.).

Indubbiamente uno dei migliori Spike Lee in circolazione, il film ottiene voti extra per i numerosi riferimenti al Tesoro della Sierra Madre (anche se alcuni di questi punti sono stati cancellati a causa di troppi riferimenti ad Apocalypse Now) e diverse performance forti, vale a dire il complesso di Delroy Lindo, Ex soldato con disturbo da stress post-traumatico in cerca di redenzione e comprensione.

C'è una ricchezza di tropi rielaborati qui, in quello che è essenzialmente un film d'azione, e le relazioni familiari fratturate, un punto fermo dell'opera di Lee che risale al suo primo film del 1986, She's Gotta Have It, ci vengono trattati anche dai registi molti altri ossessioni; la sua passione per il jazz, i commenti sociali aggiornati e in faccia (i movimenti BLM e MAGA fanno parte della sua strategia didattica occasionale come narratore).

Tutto sommato è un tour de force che, sebbene perdonabilmente imperfetto, è anche una storia indimenticabile di padri, figli e perdono.

8. Ema
Tanto visivamente spettacolare quanto emotivamente turbolento, l'autore cileno Pablo Larraín (Jackie) non tira pugni in questo stress test esuberante ea volte piuttosto irritante. Toccando le dita un minuto e alzando gli occhi al cielo il prossimo, penso di averlo adorato?

La nuova arrivata Mariana Di Girolamo è la titolare Ema, una donna disprezzata, che complotta la bonifica del figlio adottivo, Polo (Cristian Felipe Suarez), lui stesso una specie di piromane. Il mondo di Ema è uno che sarà difficile da scuotere per lo spettatore ma facile da rapire visivamente; è un talento fenomenale come ballerina interpretativa, le sue provocazioni sessualmente fluide e gli istinti materni impulsivi la rendono difficile da ignorare ma il suo comportamento è impossibile da applaudire o allontanarsi.

Il film di Larraín è un melodramma disordinato arricchito da stupefacenti sequenze di danza, sesso esplicito, primi piani sbalorditivi, montaggi metatestuali e molto altro che passa dal bello allo sconcertante in un batter d'occhio. Un'altra eccitazione d'essai non convenzionale, la folle energia di Ema ti sconvolgerà e ti influenzerà, mentre ti muovi al ritmo di questo tamburo decisamente diverso.

7. Bacurau
Diretto da Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, questo strano western / horror / thriller che piega il genere ha una seria atmosfera da Sergio Leone in quanto assume numerosi colpi di scena comici nero corvino, un numero enorme di cadaveri e un ritmo molto apatico.

Ambientato nell'omonimo villaggio di Bacurau, una località remota nel nord-est del Brasile, dove i residenti si trovano a dover affrontare forze aggressive, forse aliene, poiché questa iterazione in stile "Il gioco più pericoloso", davvero singolare, si svolge con spruzzi di brio e vulcanici di gore.

Interpretato da Sônia Braga e Udo Kier su lati opposti o forse ciascuno manipolato da forze sinistre, stai certo che tutto sarà rivelato ai sintetizzatori di John Carpenter, esponendo non solo gesti geopolitici, ma alcuni atti veramente soddisfacenti e orribili di sanguinosa ricompensa.

Comunque classifichi questo film (western horror di fantascienza?) È una gemma raccapricciante di cui rimarrai entusiasta e ricorderai per molto tempo. Bacurau risuona di brillantezza, macelleria, crudele delicatezza e bizzarra bellezza.

6. My Mexican Bretzel 
L'eccezionale primo lungometraggio di Nuria Giménez è un fantasioso film di diario / saggio simile a un collage - a volte arriva non diversamente da Diary di David Holzman, F for Fake o Grey Gardens - uno che è magicamente in parte home movie della metà del secolo, in parte affascinante diario di viaggio e il tutto pur essendo del tutto originale e unico a se stesso.

Sebbene costantemente ipnotizzato da My Mexican Pretzel, questo scrittore ammette di non sapere sempre quali elementi fossero reali, quali filmati sono stati trovati e quali erano finzione, né mi importava davvero. Ho guardato, sbattendo le palpebre, attraverso lo specchio e mi sono radicato in un sogno ad occhi aperti colorato che ha riempito la mia testa di dolce stregoneria, mi ha fatto battere il cuore lentamente e mi ha lasciato gli occhi più che un po 'umidi.

Ecco un piccolo film singolare e spettacolare che ti porta in posti in cui non sei mai stato e che ti farà venire voglia di tornare.

5. The Vast of Nigh - L'immensità della notte
The Vast of Night segna lo straordinario debutto alla regia di Andrew Patterson, che illustra ripetutamente quanto sia un narratore fiducioso, pieno di risorse ed emozionante. Ambientato nel New Mexico degli anni '50, nella città di Cayuga, casa della teenybopper Fay (Sierra McCormick), una centralinista che è felicissima del suo nuovo registratore e si diverte a fare crack e chiacchierare all'infinito con il collega adolescente e DJ radiofonico, Everett (Jake Horowitz) .

La coppia condivide alcuni sospetti sulla scienza e il futuro e all'inizio sembra che potrebbero imbarcarsi in un mistero simile a Nancy Drew prima che diventi più evidente che la coppia è più allineata con agenti del calibro di agenti speciali Mulder e Scully quando intercettano un segnale che potrebbe avere origini extraterrestri.

L'abilità di Patterson nel creare intrighi e aumentare la suspense mentre ci avviciniamo alla rivelazione è parte di ciò che rende The Vast of Night una storia così audace e inquietante. La presa in giro dell'attesa è quasi più elettrizzante della grande rivelazione. Questo avvincente, tecnicamente appariscente (un centrotavola dinamico di tracciamento mostra davvero alcune abilità tecniche serie), e l'eccitazione fantascientifica spesso divertente sembra fresca e, come suggerisce il titolo, davvero molto vasta.

4. Mank
Certo, Mank di David Fincher è stato una delusione per noi, con la sua sceneggiatura ricca di esposizione e gli espedienti intrisi di nostalgia che saturano eccessivamente la storia inquieta e imbottita, ma dove Fincher è arrivato davvero nel suo racconto della vecchia Hollywood degli anni '30 è con il vivido progettazione dettagliata e profondità.

La cinematografia in bianco e nero di Erik Messerschmidt, il costume riccamente dorato di Trish Summerville, lo scrupoloso design della produzione di Donald Graham Burt, la colonna sonora appropriata per l'epoca di Trent Reznor e Atticus Ross, tutti eccellono, compensando eccessivamente il piuttosto didascalico di Jack Fincher , blocchi da salotto e tracciatura irregolare. E, naturalmente, Gary Oldman è una tempesta, rendendo facile perdonare e dimenticare le molte delusioni che affliggono questo tributo visivamente lussuoso ed emotivamente vuoto a Tinseltown.

Come un vivace ritorno al passato con svolazzi tecnici e malinconia a profusione, Mank si muove bene, e c'è anche un riflusso inquietante in tutto ciò che funziona bene, ma non scavare troppo a fondo perché l'ultimo di Fincher è destinato a deludere. Ma gli incantesimi superficiali sono ricchi e vividi.

3. First Cow
Una riflessione sull'amicizia e la sopravvivenza dell'autrice americana Kelly Reichardt (Meek's Cutoff, Certain Women), First Cow è una favola ben raccontata che sembra piccola ma ha un cuore vasto e molto profondo.

Seguendo una coppia di viaggiatori abbandonati nel nord-ovest del 1820, uno è un timido cuoco, Otis "Cookie" Figowtiz (John Margaro), l'altro un immigrato cinese, King-Lu (Orion Lee), i due escogitano un piano commerciale che dipende da un ricco proprietario terriero (Toby Jones), o più specificamente, dalla sua pregiata mucca da latte.

Da una premessa così semplice, e con un tenero e lento movimento cinematografico, First Cow si dispiega con incessante compostezza e fascino. Aiutata con il suo solito direttore della fotografia, Christopher Blauvet e il suo eccellente scenografo Anthony Gasparro (la loro seconda coppia dopo Certain Women del 2016), creando un potente ambiente pastorale americana.

Un film che è la quintessenza di Reichardt, è una gemma dai bordi grezzi con un bagliore familiare che i suoi ammiratori apprezzeranno. È un tesoro piccolo ma inestimabile.

2. Lovers Rock
Intimo come la carezza di un amante e energico come il music hall in piena espansione, Lovers Rock di Steve McQueen è l'esperienza cinematografica più estatica e coinvolgente del 2020 ed è una manna dal cielo amoroso.

Ambientato quasi interamente a una festa in casa che celebra un compleanno a West London nei primi anni '80, questo spettacolo quasi paradisiaco, realizzato in modo splendido, esso stesso un esame euforico della gioia nera durante l'era Thatcher, ti renderà allo stesso tempo vivace mentre ansimando per aria.

A volte l'influenza formalista di Lovers Rock ricorda la potenza e l'impulso dello spirito libero di Wong Kar-wai della metà degli anni '90 (uno spirito romantico simile a Chungking Express e con la maestosa moderazione di In the Mood for Love) ma McQueen sta decisamente inseguendo il suo propria musa. La sua inquieta macchina fotografica scivola sulla pista da ballo mentre le persone cantano e ondeggiano, bevendo alcol e fumando erba in una comunione estatica, quasi religiosa.

Il film ha così tanti momenti climaterici e lunghe riprese che inizia a sembrare multi-orgasmico –– “Silly Games” di Janet Kay e la celebrazione a cappella che inaugura potrebbero essere il più grande momento cinematografico dell'anno.

Il film funziona così bene durante i periodi di quarantena in quanto è l'ultima festa di compleanno / festa in casa a cui tutti vorremmo andare, ma anche come qualcosa di molto di più; come un santuario di armonia in mezzo a un mare di conflitti. Lovers Rock ti farà alzare il cuore, gli occhi bagnati, il tuo corpo ondeggiare e, soprattutto, il tuo spirito librarsi in volo.

1. Nomadland
Con così tanti film rinviati e spinti nel loro programma di uscita, ho trascorso una buona parte del 2020 aspettando con gioia le ultime novità di Chloé Zhao (Songs My Brothers Taught Me, The Rider), con le dita incrociate non sarebbe stato ritardato, e infine Nomadland apparso; un premio neo-realista sbalorditivo che, parlando di premi, ha già ottenuto il premio come miglior film dalla National Society of Film Critics e il Leone d'Oro a Venezia. E segna queste parole, è destinato a più bottini della stagione dei premi, aspetta.

Svolgendosi in modo sprovveduto tra città fatiscenti e disintegrate nel Midwest americano, Zhao e il suo talentuoso direttore della fotografia Joshua James Richards (che ha fotografato i precedenti splendidi lavori di Zhao) mostrano insieme paesaggi e panorami di tramonti poetici e perpetui, un'America magica che comunica attentamente l'innata dignità della peripatetica Fern (Frances McDormand, anch'essa in attesa dei premi in questo miglior ritratto in carriera). Mentre la famiglia e gli amici di Fern lottano per ragionare con il suo vagabondo stile di vita vagabondo, la grandezza immersiva e profondamente risonante che è diventata il marchio di fabbrica di Zhao, ha il sopravvento. Nomadland vagherà per il tuo cuore e occuperà la tua mente per molto tempo.

Menzione d'onore: Ammonite (diretto da Francis Lee), Dick Johnson is Dead (diretto da Kirsten Johnson), Emma. (diretto da Autumn de Wilde), Judas and the Black Messiah (diretto da Shaka King), Ma Rainey's Black Bottom (diretto da George C. Wolfe), Minari (diretto da Lee Isaac Chung), Mulan (diretto da Niki Caro), Never Rarely Some Always (diretto da Eliza Hittman), News of the World (diretto da Paul Greengrass), One Night in Miami (diretto da Regina King), Pieces of a Woman (diretto da Kornel Mundruczo), Promising Young Woman (diretto da Emerald Fennell), Vitalina Varela (diretto da Pedro Costa), Zombi Child (diretto da Bertrand Bonello).

Biografia dell'autore: Shane Scott-Travis è un critico cinematografico, sceneggiatore, autore / illustratore di fumetti e cineasta. Attualmente residente a Vancouver, in Canada, Shane può essere trovato spesso al cinema, al parco per cani o in un angolo da qualche parte, parafrasando Groucho Marx. Segui Shane su Twitter @ShaneScottravis.

Fonte: TasteofCinema